Стили и направления искусства: краткая хронология

Первобытное искусство: когда изображение было частью жизни

История искусства начинается задолго до появления государств, письменности и известных нам религий.

Люди создавали изображения животных на стенах пещер, вырезали небольшие фигурки, украшали предметы быта и строили мегалитические сооружения. Сегодня мы смотрим на эти объекты как на произведения искусства, но для их создателей они, вероятно, не были просто украшением.

Изображение могло быть связано с охотой, памятью о предках, ритуалом, представлением о плодородии или устройстве мира.

У первобытного искусства ещё нет привычного нам разделения на живопись, скульптуру и архитектуру. Изображение, обряд, место и действие образуют одно целое.

Это важная мысль для всей дальнейшей истории: искусство первоначально возникает не как самостоятельная сфера развлечения или эстетического удовольствия, а как способ взаимодействия человека с миром.

Искусство Древнего Египта

IV тысячелетие до н. э. — I век до н. э.

Искусство Древнего Египта было тесно связано с религией, властью фараона и представлениями о загробной жизни.

Египетский художник не стремился запечатлеть случайное движение или мгновенное выражение лица. Он должен был создать ясный и узнаваемый образ, способный существовать в вечности.

Отсюда появились строгие правила изображения человека. Голова и ноги показывались в профиль, плечи разворачивались к зрителю, а размеры фигуры зависели от положения человека в обществе. Фараон изображался крупнее слуг и врагов не потому, что он был выше ростом, а потому, что занимал главное место в устройстве мира.

На протяжении столетий египетское искусство сохраняло свои основные принципы. Именно эта устойчивость делает его таким узнаваемым.

Искусство Месопотамии и Ассирии

IV–I тысячелетия до н. э.

В долинах Тигра и Евфрата возникли цивилизации шумеров, аккадцев, вавилонян и ассирийцев.

Искусство Месопотамии было связано с храмом, городом и государственной властью. Здесь строили ступенчатые зиккураты, создавали изображения богов и правителей, украшали дворцы рельефами.

Особенно выразительно идея власти проявилась в искусстве Ассирии. Стены царских дворцов покрывали сценами военных походов, осад и охоты. Такие изображения должны были не только рассказать о победах, но и показать силу государства.

У входов во дворцы стояли огромные крылатые человеко-быки — шеду. Они охраняли здание и одновременно производили сильное впечатление на каждого, кто приближался к царской резиденции.

Египет и Ассирия не относятся к европейскому искусству географически, но без их наследия невозможно понять развитие культуры Средиземноморья и Древней Греции.

Искусство Древней Греции

XI–I века до н. э.

Греческие мастера постепенно сделали человека главным героем искусства.

Они изучали устройство тела, пропорции, движение и равновесие. От условных архаических фигур греческая скульптура пришла к свободным позам, естественному переносу веса и сложным движениям.

В классическую эпоху художники стремились соединить наблюдение за живым телом с представлением об идеальной гармонии. В эллинистический период искусство стало более эмоциональным: мастеров заинтересовали страдание, старость, сильное движение и необычные ракурсы.

В Древней Греции сформировались архитектурные ордера — дорический, ионический и коринфский. Позднее к ним будут постоянно возвращаться архитекторы Возрождения, классицизма и неоклассицизма.

Античное искусство стало одним из главных оснований всей европейской художественной традиции.

Искусство Древнего Рима

VIII век до н. э. — V век н. э.

Римляне многое переняли у греков, но использовали искусство для других целей.

Архитектура должна была организовывать пространство огромной империи. Римляне строили дороги, мосты, акведуки, амфитеатры, термы, базилики и храмы. Использование арок, сводов, куполов и бетона позволило создавать сооружения невиданного ранее масштаба.

Большое значение получил портрет. В отличие от греческого идеала, римская скульптура могла подчёркивать возраст, морщины и индивидуальные особенности человека.

Триумфальные арки, колонны и рельефы рассказывали о победах императоров. Искусство становилось способом сохранить историческую память и распространить образ государственной власти.

Римское наследие не исчезло после падения империи. Римская базилика стала основой христианского храма, а античная архитектура впоследствии возродилась в искусстве Возрождения и классицизма.

Раннехристианское искусство

II–VI века

Первые христиане жили внутри Римской империи и использовали уже существовавший художественный язык, постепенно наполняя его новым содержанием.

На ранних изображениях Христос мог выглядеть как молодой пастух, философ или учитель. Большую роль играли символы: рыба, виноградная лоза, якорь, павлин и образ Доброго пастыря.

После признания христианства началось строительство больших храмов. За основу взяли римскую базилику — просторное общественное здание, способное вместить множество людей.

Постепенно христианское искусство прошло путь от скрытых символов и аллегорий к устойчивой системе священных образов.

Византийское искусство

IV–XV века

Византия унаследовала античную культуру, римскую государственную традицию и христианское мировоззрение.

Но искусство теперь должно было показывать не столько земную реальность, сколько духовный мир. Поэтому фигуры становились более фронтальными и неподвижными, пространство — условным, а золотой фон обозначал небесную, вневременную среду.

Особое значение получили иконы, мозаики, фрески и храмовая архитектура. Изображение подчинялось канону: художник не придумывал священный образ заново, а следовал сложившейся традиции.

Одним из величайших памятников Византии стал храм Святой Софии в Константинополе. Византийское искусство оказало огромное влияние на Италию, Балканы, Кавказ и Древнюю Русь.

Романский стиль

X–XII века

В XI–XII веках в Западной Европе начали строить большие каменные монастыри и храмы.

Романские церкви выглядят тяжёлыми и устойчивыми. Для них характерны толстые стены, небольшие окна, полуциркульные арки, массивные башни и простые геометрические объёмы.

Такое здание напоминает крепость. Внутри обычно немного света, а каменные своды создают ощущение защищённости и одновременно подчёркивают силу религии.

Скульптура была тесно связана с архитектурой. Она размещалась на порталах, фасадах и капителях колонн. Фигуры могли иметь необычные пропорции, потому что мастер стремился не к анатомической точности, а к ясности религиозного рассказа.

Готика

Середина XII — XV–XVI века

Готика возникла во Франции в XII веке. Её главным произведением стал городской собор.

Если романский храм кажется тяжёлым и замкнутым, то готический стремится вверх и к свету. Такой эффект создают стрельчатые арки, нервюрные своды, аркбутаны, высокие окна и вертикальный ритм.

Новая конструкция позволила уменьшить толщину стен и заполнить их витражами. Цветной свет внутри собора воспринимался как образ божественного присутствия.

Готический собор был не только храмом, но и своеобразной энциклопедией Средневековья. Его порталы, статуи и витражи рассказывали библейские истории, показывали святых, ремесленников, растения, животных и представления человека об устройстве мира.

Возрождение

XIV–XVI века

Название эпохи связано с возрождением интереса к культуре Древней Греции и Рима.

Однако художники Возрождения не просто копировали Античность. Они создавали новую картину мира, в центре которой находился мыслящий, наблюдающий и деятельный человек.

Мастера изучали анатомию, перспективу, пропорции, свет и природу. Картина всё чаще воспринималась как окно в убедительное пространство, архитектура подчинялась ясной геометрии, а скульптура возвращалась к свободно стоящей человеческой фигуре.

В эту эпоху работали Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Боттичелли, Тициан, Ян ван Эйк, Альбрехт Дюрер и многие другие мастера.

Искусство Возрождения развивалось в разных странах неодинаково. Итальянских художников особенно интересовали античность, перспектива и человеческое тело, а североевропейских — детали предметного мира, свет, фактура и скрытая символика.

Маньеризм

Примерно 1520–1600 годы

Маньеризм возник в тот момент, когда гармонический идеал Высокого Возрождения уже казался достигнутым.

Художники начали сознательно усложнять композиции, удлинять фигуры, использовать необычные пропорции, напряжённые цветовые сочетания и неестественные позы.

Если Возрождение стремилось к равновесию и ясности, то маньеризм показывал красоту как нечто изысканное, сложное и иногда тревожное.

Этот стиль стал переходом от гармонии Возрождения к движению, эмоциональному напряжению и театральности барокко.

Барокко

Конец XVI — середина XVIII века

Барокко возникло в эпоху религиозных конфликтов, усиления монархий и больших общественных перемен.

Искусство должно было не просто рассказывать, а воздействовать на зрителя: удивлять, убеждать, восхищать и заставлять сопереживать.

Для барокко характерны движение, диагональные композиции, сильные контрасты света и тени, эмоциональные жесты, сложное пространство и театральность.

В архитектуре фасады и интерьеры превращались в большие постановки. В скульптуре неподвижный камень начинал казаться живым телом или развевающейся тканью. В живописи свет направлял взгляд зрителя и выделял главный момент действия.

Среди крупнейших мастеров барокко — Караваджо, Рубенс, Рембрандт, Веласкес и Бернини.

Классицизм

XVII–XIX века

Классицизм существовал одновременно с барокко, но предлагал другой художественный язык.

Если барокко стремилось к движению и эмоциональному воздействию, классицизм ценил порядок, ясность, симметрию и правило.

Образцом снова стало искусство Античности. Художники обращались к древней истории и мифологии, искали устойчивую композицию и старались подчинить личное чувство разумной системе.

Особенно последовательно классицизм развивался во Франции XVII века. Академии определяли правила искусства, устанавливали иерархию жанров и решали, какие произведения соответствуют высоким требованиям.

Позднее античный язык классицизма получил новое развитие в неоклассицизме конца XVIII — начала XIX века.

Рококо

Примерно 1715–1780 годы

Рококо возникло во Франции в начале XVIII века и было связано прежде всего с культурой аристократических салонов.

После торжественного искусства эпохи Людовика XIV появилась потребность в более лёгкой и камерной среде.

Интерьеры стали светлее. В декоре использовались зеркала, растительные завитки, раковины, пастельные оттенки и асимметричные орнаменты.

В живописи появились праздники, прогулки, любовные сцены, театр и мифологические пасторали.

Барокко стремилось потрясти зрителя, а рококо — очаровать его, развлечь и создать атмосферу утончённой игры.

Неоклассицизм

Вторая половина XVIII — первая треть XIX века

Неоклассицизм стал новым обращением к искусству Древней Греции и Рима.

Интерес к Античности усилился благодаря археологическим раскопкам, развитию науки и идеям Просвещения.

Художники стремились к строгой форме, ясному рисунку и нравственно значимым сюжетам. В центре произведений часто оказывался человек, который должен выбрать между личным чувством и общественным долгом.

Главным представителем французского неоклассицизма стал Жак-Луи Давид. Позднее художественный язык направления оказался связан с Французской революцией и империей Наполеона.

Романтизм

Конец XVIII — середина XIX века

Романтизм возник рядом с неоклассицизмом и во многом как спорил с ним.

Классицизм ценил порядок и разум. Романтиков интересовали сильные чувства, свобода, воображение, природа и всё, что невозможно полностью подчинить правилу.

Героями искусства стали буря, море, ночь, руины, революция, далёкие страны, исторические катастрофы и одиночество человека перед огромным миром.

Романтики заново открыли Средневековье и готическую архитектуру. Именно в XIX веке старые соборы перестали воспринимать как грубые и устаревшие постройки и начали сохранять как важнейшие памятники культуры.

Реализм

1840–1880-е годы

Реализм возник на фоне индустриализации, роста городов, революций и изменения европейского общества.

Художники обратились к современной жизни. Вместо античных героев и идеализированных пастухов на больших полотнах появились крестьяне, рабочие, горожане, повседневный труд и социальные конфликты.

Одним из главных представителей французского реализма стал Гюстав Курбе. Он считал, что художник должен писать собственную эпоху и то, что может увидеть вокруг себя.

Реализм не означает механического копирования действительности. Художник по-прежнему выбирает сюжет, композицию и точку зрения. Но он признаёт обычную жизнь достойной большого искусства и отказывается от её обязательной идеализации.

Импрессионизм

1860–1880-е годы

Импрессионисты стремились показать не то, каким предмет должен быть, а то, каким он кажется в определённый момент и при определённом освещении.

Они работали на открытом воздухе, изучали естественный свет, использовали заметный мазок и цветные тени. Контуры становились подвижными, а поверхность картины могла выглядеть незавершённой.

Импрессионисты писали не только природу, но и современную жизнь: вокзалы, кафе, театры, набережные, скачки, танцы и городские прогулки.

Яркими представителями импрессионизма были Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо и Эдгар Дега. Эдуард Мане не участвовал в выставках группы, но сыграл важную роль в формировании нового художественного языка.

Постимпрессионизм

Примерно 1886–1905 годы

Постимпрессионизм не был единым стилем или организованной группой.

Так называют художников, которые восприняли открытия импрессионизма, но искали новые способы построения картины.

Поль Сезанн стремился вернуть изображению устойчивую структуру. Винсент Ван Гог превратил цвет и мазок в язык внутреннего состояния. Поль Гоген использовал условный цвет и символические образы. Жорж Сёра пытался построить живопись на научной теории цвета.

Из этих разных поисков выросли многие направления XX века. Творчество Сезанна повлияло на кубизм, Ван Гога — на экспрессионизм, а Гогена — на символизм и развитие свободного цвета.

Символизм

1880-е — начало XX века

Символисты считали, что видимый мир не исчерпывает реальность.

Художника интересовали сон, страх, любовь, смерть, миф, религиозное переживание и внутренние состояния человека.

Картина не обязательно должна была точно передавать внешний облик предметов. Цвет, линия и композиция использовались для создания настроения и скрытого смысла.

Символизм развивался одновременно с поздним реализмом, импрессионизмом и постимпрессионизмом. К нему относят Одилона Редона, Гюстава Моро, Пюви де Шаванна и многих представителей национальных художественных школ.

Модерн

Примерно 1890–1914 годы

На рубеже XIX–XX веков в разных странах Европы возник стиль, стремившийся создать новую художественную среду.

В России его называют модерном, во Франции — Art Nouveau, в Германии — югендстилем. К нему также относятся бельгийский модерн, Венский сецессион и каталонский модернизм.

Архитектура, мебель, витражи, книжная графика, плакат, одежда и украшения должны были составлять единое целое.

Для модерна характерны текучая линия, растительные мотивы, асимметрия, декоративность и внимание к силуэту.

Модерн не следует путать с модернизмом. Модерн — конкретный стиль рубежа веков, а модернизм — широкое понятие, объединяющее многие художественные направления XX века.

Модернизм и авангард

Начало XX века

В начале XX века единая последовательность стилей распалась на множество направлений.

Художники больше не считали, что картина обязательно должна правдоподобно изображать видимый мир.

Фовисты освободили цвет от подражания природе. Экспрессионисты использовали деформацию для передачи внутреннего напряжения. Кубисты показывали предмет сразу с нескольких точек зрения. Футуристы пытались передать скорость современной жизни.

Появилось абстрактное искусство, в котором главными стали цвет, линия, ритм и геометрическая форма. Конструктивисты сблизили искусство с архитектурой, промышленностью и дизайном. Дадаисты превратили в художественный метод случай и абсурд, а сюрреалисты обратились к сновидениям и бессознательному.

Модернизм — это не один стиль, а целая система художественных экспериментов.

Искусство после Второй мировой войны

После 1945 года

После 1945 года искусство стало ещё более разнообразным.

Одновременно развивались абстрактный экспрессионизм, поп-арт, минимализм, концептуальное искусство, перформанс, ленд-арт, фотореализм и другие направления.

Художник мог создавать не только картину или скульптуру, но и действие, текст, фотографию, видео, временную конструкцию или целую пространственную среду.

Важным становился уже не только внешний вид произведения, но и идея, вопрос или способ взаимодействия со зрителем.

Современное искусство

Современное искусство невозможно свести к одному стилю.

Сегодня художники одновременно используют традиционную живопись, фотографию, видео, цифровые технологии, архивные материалы, инсталляции.

Одни продолжают развивать художественные языки прошлого, другие создают произведения, существующие только в цифровом пространстве.

Поэтому главная особенность современного искусства — одновременное существование множества подходов и отсутствие единого направления, которое определяло бы всю эпоху.